Mi proyecto es de realizar el cortometraje que acabo de escribir. Encontre los actores, el director foto, director de arte, maquillador y Storyboarder. Estamos todos super motivados para llevar a cabo esa historia a pesar de las condiciones actuales que se vive en España y en el mundo entero. Queremos mostrar lo que sabemos hacer y mejorar nuestras técnicas.
Laura y Antoine son una pareja feliz. Pero después de ver otra pareja muy enamorada, Laura empieza a cuestionarse sobre su relación con su pareja. Durante las próximas horas tendra dudas hasta tomar la decisión mas apropiada.
Moodboard
Quienes somos
Marian Ridoin
Marian Ridoin es un apasionado de película desde su infancia y siempre le ha apasionado la ciencia ficción y los documentales.
Artista marcial, buceador, fotógrafo, Marian tiene curiosidad por muchos dominios y siempre lo quiere llevar a la pantalla. Autodidacta en cine, lleva ahora lleva más de 20 vídeos (cortometrajes, entrevistas, video promocional, etc.).
Ahora se está formando en dirección fotográfica y escritura de guion para el cine.
A nivel académico, Marian tiene un máster en Antropología social y DUT en carrera social con especialidad en Artes, Culturas y mediaciones.
Noelia Diaz
Noelia Diaz nació en Madrid y lleva 4 años formándose como actriz. Antes de eso estuvo en una pequeña compañía de teatro con la que movían obras por diferentes ciudades de España como “Kvetch” o “El tango de la cárcel, Chicago”.
En cine ha hecho varios cortos. Algunos de ellos: “Seda”, “Glimmering Darkness”, “Lágrimas en el cielo”.
Thomas Mikel Larralde
Thomas es un francés de Biarritz de 25 años. Es bailarín profesional y lleva 4 meses en Madrid estudiando interpretación en la escuela Clara Méndez Leite.
Ha viajado por el mundo, viviendo en México, Italia, Inglaterra y ahora en Madrid para lograr un sueño de niño que es ser actor
A qué destinaremos vuestras aportaciones
El dinero servirá para comprar un poco de material (difuminado de luz, filtros…) y sobre todo un poco de catering para la gente que se involucra de manera gratuita en su tiempo libre.
¿Ha escrito su guión y ahora quiere llevarlo al siguiente nivel? No es necesario que se apresure a buscar su cámara de inmediato. Hay muchos detalles que resolver antes de actuar en el set. Se necesita una preparación seria. Para ello, existe una herramienta que facilita el rodaje de su próxima película: el storyboard.
Además, los grandes cineastas como Ridley Scott o Hitchcock son verdaderos seguidores de esta herramienta de trabajo. Y está lejos de ser una coincidencia. Para organizar una sesión y ordenar los distintos detalles, los profesionales usan un guión gráfico.
Los orígenes del storyboard
Georges Mélies, un mago, se interesó por las técnicas de animación e imagen en la época de los hermanos Lumière a finales del siglo XIX. Lo suyo es organizar shows en vivo con proyecciones en la gran pantalla. También le encanta sumar su talento como diseñador y pintor.
En el origen de los primeros efectos especiales en el cine (fundidos, sobreimpresiones, etc.), Georges Mélies tuvo la idea de utilizar dibujos para preparar sus películas. Por lo tanto, generalmente se le atribuye el concepto del guión gráfico. Sin embargo, fue Webb Smith en Disney quien se hizo cargo de esta técnica por su cuenta en 1927 para crear la serie Oswald the Lucky Rabbit en 1927. El estudio utilizó esta técnica para todas sus creaciones. Dado el éxito de Disney, la industria cinematográfica estadounidense definitivamente está adoptando el guión gráfico como el estándar en el proceso de realización de una película.
¿Sabías que Hitchcok fue un verdadero agarrador de ollas en la organización de sus sesiones? De repente, este director legendario era un fanático del storyboard. En busca del más mínimo detalle, el storyboard le permite en el momento planificar sus rodajes como un reloj. Todo el trabajo de creación e investigación se lleva a cabo en sentido ascendente para no dejar nada al azar el Día D.
El principio del storyboard
A primera vista, parece el contorno de una tira cómica. El guión gráfico es simplemente una interpretación visual del guión. Se divide en una serie de varias miniaturas dibujadas en la misma página. Cada uno corresponde a una toma de su película. El objetivo es describir visualmente la acción de la película e indicar elementos técnicos para el rodaje.
El beneficio de usar un guión gráfico es doble:
dividir la acción en varios planes de una manera precisa y comprensible
Especificar visualmente las ideas del director
Storyboard: ¿Cómo se ve?
El guión gráfico es la verdadera hoja de ruta para hacer su película. Es simplemente una guía visual durante la filmación. Parece un cómic donde cada imagen representa un plan. También contiene información técnica como flechas para indicar los movimientos de los personajes o de la cámara (viaje, zoom) y notas para especificar, por ejemplo, la duración del disparo.
El guión gráfico solo puede cubrir tomas clave o complejas de su película. También puede utilizar una versión mucho más completa donde cada toma se detalla con una imagen de inicio y una imagen final.
Un plano lo completa todo para indicar la disposición del decorado, la posición de la cámara y los personajes.
Inicialmente, su guión gráfico toma la forma de una sola página o varias celdas están vacías. Luego, simplemente dibuje dentro de cada cuadro para describir visualmente su plan. No es necesario hacer una obra de arte. Solo buscamos hacer un boceto que sea fiel a la futura toma a realizar. Basta con palos simples para representar a tus personajes. Si tiene dificultades para dibujar, el software de guiones gráficos ofrece soluciones con bibliotecas de objetos, escenarios y personajes bien surtidas.
Storyboard: 3 razones esenciales para crearlo
Un buen guión es la base para hacer una película. Sin embargo, se desaconseja ir directamente a la realización. De hecho, el proceso anteriormente requiere varios pasos, incluida la creación de un guión gráfico. Descubra las 3 razones para invertir tiempo en la creación de un guión gráfico.
Razón # 1 Fijar su visión
Dessiner veste plan sud un petit rectangle blanc vous oblige à imaginer comment votre scène a été traduite visuellement. Vous gagnez alors un temps énorme lors du tournage. Forcément, pas besoin de penser au placement des personnages ni au type de plan au moment d’appuyer sur le bouton «on» de votre caméra. Une météo capricieuse? Un changement de décor? Il est bien plus facile de s’adapter avec un bon storyboard entre les mains. En effet, vous éviterez de perdre le chef d’orchestre de votre vote avec cet outil.
Razón n ° 2 Comparte tus ideas
Todos tenemos una forma diferente de interpretar visualmente una historia. Al leer un guión, todos pueden interpretar los personajes, los escenarios y las acciones a su manera.
Para evitar errores y líos dentro de su equipo, el guión gráfico le permite comunicar visualmente su escenario y sus deseos en términos de encuadre, movimientos de cámara, iluminación, etc.
Razón n ° 3 Convencer
La imagen tiene una capacidad de persuasión incomparable. Para vender un proyecto, esto es claramente una ventaja. Por qué ? Es muy sencillo: tienes la posibilidad de sumergir inmediatamente a tu interlocutor en tu historia con la fuerza visual del storyboard. Todos sabemos: “Una buena imagen es mejor que un discurso largo”. ¿Un productor o un cliente al que convencer? Luego, crea un hermoso guión gráfico de tus escenas más importantes. Impacto garantizado!
Conclusion
Ahora conoce la importancia del guión gráfico en el proceso de realización de una película. Sin embargo, siga este consejo antes de anotar sus primeras tomas en las celdas vacías de su guión gráfico. De hecho, un paso importante le ayuda a realizar su guión gráfico si sus habilidades de dibujo son limitadas. De hecho, haga un guion técnico de su historia de antemano. Solo necesita crear una imagen de este documento para crear fácilmente su storyboard.
No olvides de suscribir al blog para recibir noticias de cine y artículos míos sobre la creación audiovisual.
Desde 1962, la revista Said & Sound, en su encuesta entre los críticos sobre la mejor película de la historia del cine, ha situado en primer lugar Citizen Kane, que fue el notable debut de Orson Welles. En 1998 el American Film Institute la llamó la película más grande de todos los tiempos. También recibió el premio del New York Film Critics Circle y la National Board of Review, además de ganar un Oscar por su guion.
La leyenda ha sido alimentada en parte por el hecho que Welles contaba solo 24 años de edad cuando hizo la película, pero también por las obvias comparaciones entre el personaje del título y el magnate de la prensa William Randolph Hearst.
La cinta cuenta una gran historia: Charles Foster Kane (interpretado por el propio welles) nace pobre, pero se dedíquese gracias a una mina de oro que era de su madre. En su juventud empieza a crear un imperio de prensa radio populista y, con el tiempo, se casa con la sobrina de un presidente de Estados Unidos y se presenta a las elecciones para gobernador. Pero su ambición se ve frustrada, lo cual hace que trate cada vez peor a las mujeres de su vida, primero su esposa y luego su querida.
Más significativo es de que la película empiece con la muerte de Kane y la última y enigmática palabra que pronuncia: “Rosebud “. No solo se cuenta el argumento por medio de cenas retrospectivas, sino que, además, cada uno de los personajes conoce a kane solo desde cierta perspectiva, que se presenta a su debido tiempo.
La complejidad narrativa es una notable proeza, y también en gran parte de la razón por la cual la crítica Pauline Kael lanzo la acusación de que el verdadero genio de la película no fue un niño prodigio Welles, si no el guionista Herman J. Mankiewicz.
La verdadera fuerza de ciudadano Kane, sin embargo, radica en su fotografía: Gregg Toland usó una técnica con profundidad de campo, en la cual el primer plano, el plano medio y el fondo se enfocaban simultáneamente, lo que permite que el ojo se concentre en cualquier parte de la imagen. Esta técnica fue criticada en aquel momento porque llamaba la atención sobre sí misma, lo cual constituye una infracción directa de los códigos de fotografía del Hollywood clásico, quedaban por sentado que la buena fotografía era invisible.
No olvides de suscribir al blog para recibir noticias de cine y artículos míos sobre la creación audiovisual.
El Bayed es una marca de cosmética que nos llega directamente del Marruecos. Todos sus productos están basados sobre elementos naturales y tradicionales.
Lo que queríamos mostrar es la eficacia de los productos y creo que lo conseguimos. También queria dar un ambiente relajado al video así que se grabo en estudio sobre un fondo blanco com una iluminación suave y a 60 fps.
No olvides de suscribir al blog para recibir noticias de cine y artículos míos sobre la creación audiovisual.
Una historia no son solamente tres actos divididos en varias etapas como lo hemos visto en el post anterior. Una historia es antes de todo un sistema.
Un sistema de historia esta compuesto de Lugares, objetos y personajes. Estos tres elementos permiten crear interacciones generando tension dramatica.
Por ejemplo un joven granjero en un desierto encontra una espalda magica. O también un equipo a bordo de una nave espacial luchando contra una creatura alienígena.
Los personajes son el elemento más importante del sistema de la historia. El personaje principale no se encuentra solo, está rodeado de otros personajes. Pueden ser aliados o antagonistas. Pero cada uno tiene un o varios roles.
Para poder entender cuales son los roles de los personajes, vamos a hablar primero de Joseph Campbell (otra vez) y el monomito.
El monomito
El término monomito de Campbell, también referido como el viaje del héroe, hace referencia a un patrón básico hallado en muchos relatos procedentes de todo el mundo. Este patrón ampliamente distribuido fue descrito inicialmente al completo en El héroe de las mil caras (1949)
En el viaje del héroe de Joseph Campbell también se habla sobre los personajes. Unas de las ideas presentadas por Campbell es que toda buena historia incluye a los mismos tipos de personajes. Más concretamente hablamos de 7 tipos de personajes que encontraremos en cada uno de nuestros libros o películas favoritas. Sus arquetipos de personajes pueden ser literales o simbólicos, por lo que servirán para cualquier género literario.
Héroe
amada
Bufón
Ejercito del héroe
Hechicero
Villano
Ejercito del villano
Estos arquetipos se encuentran, no siempre todos, en la historias y paricularmente en el cine.
Un ejemplo
Vamos a ver estos roles a traves de la pelicula Pirates of the Caribbean
Héroe: Will Turner (Joven herrero de Port Royal que rescata a su amada Elizabeth de las manos del Capitán Barbosa)
Amada : Elizabeth Swann (hija del gobernador de Port Royal, amada de Will y víctima del Capitán barbosa, pues ella posee la última moneda de oro del tesoro azteca que Barbosa y sus piratas necesitan devolver para quitarse la maldición. Por esto Elizabeth es raptada por ellos)
Bufón, Mago de héroe: capitán Jack Sparrow. (A pesar de ser un poco torpe y de ser un pirata, Jack Sparrow es en el fondo una buena persona y ayuda a Will a rescatar a su amada, consigue la tripulación y además le enseña algunas cosas. Sin embargo esto lo hace para recuperar su barco (el Perla Negra) y vengarse del capitán Barbosa, debido a esto se encarga de dar información tanto a Will como a Cap. Barbosa según su conveniencia, ya que es el personaje que posee más información de la historia.)
Ejército de héroe: Tripulación del capitán Jack Sparrow.
Hechicero: El tesoro.
Villano: Capitán Barbosa (pirata al mando del Perla Negra que despojó de este mando a Jack Sparrow robándole junto a la tripulación el tesoro azteca y abandonándolo en una isla para que muriera.)
Ejército de villano: tripulación del Perla Negra al mando del capitán Barbossa. (Los piratas del caribe, los cuales sufren de la maldición del tesoro azteca por haberlo robado al igual que el Capitán Barbosa)
Ultima cosa
Ya que sabes un poco mas de los roles de mito, pero no olvides de trabajar sobre las otras partes del sistema. De la misma manera que existen aliados y antagonistas, los lugares pueden ser hogar o exil, y los objetos pueden generar oportunidades, consequencias o futuro. Todo este sistema va generar una gran tension dramatica.
Dentro de poco escribiré sobre las dos otras partes del sistema de historia asi que quedate atento. Y no olvides de suscribir al blog para recibir noticias de cine y artículos míos sobre la creación audiovisual.
El productor David O. Selznick no dejó que se escapara el best seller de Margaret Mitchell ambientando en la guerra de secesión. La escritora sugirió a Basil Rathbone para el papel de Rhett Buttler, pero el preferió dárselo a Clark Gable.
Después de buscar actrices por todo el país y de muchas peleas en Hollywood entre las aspirantes al papel de la protagonista femenina, Selznick contractó a la actriz británic Vivien Leigh para que encarnarse a la belleza sureña Scarlett O’hara.
Lo que el viento se llevó fue concebida como la película definitiva y durante decenios sería el punto de referencia para el cine épico popular. La mayoría de las escenas realmente grandes aparecen en la primera mitad, dirigida principalmente por Cukor con su toque especial para los personajes y los matices.
Mientras tanto, Fleming se encargo de las partes más aventureras, como las de cuándo es el matrimonio de la pareja empieza a ir mal debido a los altibajos de después de la guerra. Son menos convincentes que la descripción de las incidencias del romance que unió a la pareja durante el conflicto.
Al igual que el nacimiento de una nación (1915), simplifica muchas complejidades históricas, la película es irresistibles y las grandes escenas de sexo se cuentan entre la más emblemáticas de la historia del cine.
No olvides de suscribir al blog para recibir noticias de cine y artículos míos sobre la creación audiovisual.
Campeona indiscutible de todas las películas de monstruos, y uno de los primeros hitos de Hollywood en lo que se refiere a efectos especiales, King Kong se encuentra todavía entre más duraderas y apreciadas obras maestras del cine. Es en esencia una versión de la fábula de la bella y la bestia protagonizada por un simio, narrada sin el final feliz en que se produce una transformación y en la escala gigantesca.
La película de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack funde la utilización innovadora de maquetas con el aspecto emocional en una medida que raras veces ha logrado alcanzar los centenares de imitadores que era inevitable que tuviese.
La historia se desarrolla fundamentalmente como el clasico conflicto entre la ciudad y la naturaleza. Una expedición llega a la isla de la Calavera, atraída por la promesa de que un gigantesco gorrilla prehistórico que es temido y venerado por los nativos, podría llevarse a Nueva York para explotarlo como atracción de feria.
Que el señor gigantesco pase de ser el antagonista temido, visto con la perspectiva de sus perseguidores, por supuesto, a protagonista simpático es la prueba de la excelencia de los complicados y expresivos efectos especiales de Willis O’Brien (otro genio de esta clase de efectos).
Aunque en el fondo es una película de serie B, King Kong contribuyó al rápido avance de los efectos especiales son en Hollywood. Pero a diferencia de las actuales demostraciones de efectos especiales, el más visto esplendor de King Kong está destinado a perdurar, gracias en no pocas medidas en la “actuación” de su gigantesco protagonista.
No olvides de suscribir al blog para recibir noticias de cine y artículos míos sobre la creación audiovisual.
El paro es la cuestión vital […]. La maquinaria debería beneficiar a la humanidad; no debería significar la tragedia y el paro.
Charles Chaplin
⭐⭐⭐⭐⭐
Puntuación: 5 de 5.
Tiempos modernos fue la última película en la que Charles Chaplin encarna el personaje Charlot que había creado en 1914 y que le había reportado fama y afecto universales. En los años intermedios el mundo había cambiado. Al nacer el personaje, el siglo XIX todavía estaba cerca.En 1936 después de la gran depresión, solo se enfrentó a angustias que no son tan distintas de la del siglo XXI: Pobreza, paro, huelgas y rompehuelgas, intolerancia política, desigualdades económicas, la tiranía de la máquina y los narcóticos.
Eran problemas que habían despertado una preocupación muy honda en Chapellin durante una gira mundial de 18 ocho meses que hizo entre 1931 y 1932 y en la que había observado el nacimiento del nacionalismo y los efectos sociales de la depresión, el paro y la automatización. En 1931, en una entrevista para prensa, declaro: “El paro es la cuestión vital […]. La maquinaria debería beneficiar a la humanidad; no debería significar la tragedia y el paro.”
Al estrenarse tiempo modernos, el cine sonoro ya contaba acerca de una década de antigüedad. Chaplin consideró la posibilidad de hacer una película hablada e incluso preparo un guion, pero finalmente reconoció que Charlot lo dependía del cine mudo.
Tiempos modernos muestra un Chaplin todavía sin rival como creador de comedias visuales. La película sigue siendo un comentario válido de la supervivencia humana en las circunstancias industriales, económicas y sociales del siglo XX… Y tal vez del siglo XXI.
No olvides de suscribir al blog para recibir noticias de cine y artículos míos sobre la creación audiovisual.
