Citizen Kane

Puntuación: 4.5 de 5.

Desde 1962, la revista Said & Sound, en su encuesta entre los críticos sobre la mejor película de la historia del cine, ha situado en primer lugar Citizen Kane, que fue el notable debut de Orson Welles. En 1998 el American Film Institute la llamó la película más grande de todos los tiempos. También recibió el premio del New York Film Critics Circle y la National Board of Review, además de ganar un Oscar por su guion.

La leyenda ha sido alimentada en parte por el hecho que Welles contaba solo 24 años de edad cuando hizo la película, pero también por las obvias comparaciones entre el personaje del título y el magnate de la prensa William Randolph Hearst.

La cinta cuenta una gran historia: Charles Foster Kane (interpretado por el propio welles) nace pobre, pero se dedíquese gracias a una mina de oro que era de su madre. En su juventud empieza a crear un imperio de prensa radio populista y, con el tiempo, se casa con la sobrina de un presidente de Estados Unidos y se presenta a las elecciones para gobernador. Pero su ambición se ve frustrada, lo cual hace que trate cada vez peor a las mujeres de su vida, primero su esposa y luego su querida.

Más significativo es de que la película empiece con la muerte de Kane y la última y enigmática palabra que pronuncia: “Rosebud “. No solo se cuenta el argumento por medio de cenas retrospectivas, sino que, además, cada uno de los personajes conoce a kane solo desde cierta perspectiva, que se presenta a su debido tiempo.

La complejidad narrativa es una notable proeza, y también en gran parte de la razón por la cual la crítica Pauline Kael lanzo la acusación de que el verdadero genio de la película no fue un niño prodigio Welles, si no el guionista Herman J. Mankiewicz.

La verdadera fuerza de ciudadano Kane, sin embargo, radica en su fotografía: Gregg Toland usó una técnica con profundidad de campo, en la cual el primer plano, el plano medio y el fondo se enfocaban simultáneamente, lo que permite que el ojo se concentre en cualquier parte de la imagen. Esta técnica fue criticada en aquel momento porque llamaba la atención sobre sí misma, lo cual constituye una infracción directa de los códigos de fotografía del Hollywood clásico, quedaban por sentado que la buena fotografía era invisible.


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Lo que el viento se llevó

Puntuación: 4.5 de 5.

El productor David O. Selznick no dejó que se escapara el best seller de Margaret Mitchell ambientando en la guerra de secesión. La escritora sugirió a Basil Rathbone para el papel de Rhett Buttler, pero el preferió dárselo a Clark Gable.

Después de buscar actrices por todo el país y de muchas peleas en Hollywood entre las aspirantes al papel de la protagonista femenina, Selznick contractó a la actriz británic Vivien Leigh para que encarnarse a la belleza sureña Scarlett O’hara.

Lo que el viento se llevó fue concebida como la película definitiva y durante decenios sería el punto de referencia para el cine épico popular. La mayoría de las escenas realmente grandes aparecen en la primera mitad, dirigida principalmente por Cukor con su toque especial para los personajes y los matices.

Mientras tanto, Fleming se encargo de las partes más aventureras, como las de cuándo es el matrimonio de la pareja empieza a ir mal debido a los altibajos de después de la guerra. Son menos convincentes que la descripción de las incidencias del romance que unió a la pareja durante el conflicto.

Al igual que el nacimiento de una nación (1915), simplifica muchas complejidades históricas, la película es irresistibles y las grandes escenas de sexo se cuentan entre la más emblemáticas de la historia del cine.

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king kong

Fue la belleza lo que mató a la bestia

King Kong, 1933

Puntuación: 5 de 5.

Campeona indiscutible de todas las películas de monstruos, y uno de los primeros hitos de Hollywood en lo que se refiere a efectos especiales, King Kong se encuentra todavía entre más duraderas y apreciadas obras maestras del cine. Es en esencia una versión de la fábula de la bella y la bestia protagonizada por un simio, narrada sin el final feliz en que se produce una transformación y en la escala gigantesca.

La película de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack funde la utilización innovadora de maquetas con el aspecto emocional en una medida que raras veces ha logrado alcanzar los centenares de imitadores que era inevitable que tuviese.

La historia se desarrolla fundamentalmente como el clasico conflicto entre la ciudad y la naturaleza. Una expedición llega a la isla de la Calavera, atraída por la promesa de que un gigantesco gorrilla prehistórico que es temido y venerado por los nativos, podría llevarse a Nueva York para explotarlo como atracción de feria.

Que el señor gigantesco pase de ser el antagonista temido, visto con la perspectiva de sus perseguidores, por supuesto, a protagonista simpático es la prueba de la excelencia de los complicados y expresivos efectos especiales de Willis O’Brien (otro genio de esta clase de efectos).

Aunque en el fondo es una película de serie B, King Kong contribuyó al rápido avance de los efectos especiales son en Hollywood. Pero a diferencia de las actuales demostraciones de efectos especiales, el más visto esplendor de King Kong está destinado a perdurar, gracias en no pocas medidas en la “actuación” de su gigantesco protagonista.


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Tiempos Modernos

El paro es la cuestión vital […]. La maquinaria debería beneficiar a la humanidad; no debería significar la tragedia y el paro.

Charles Chaplin

Puntuación: 5 de 5.

Tiempos modernos fue la última película en la que Charles Chaplin encarna el personaje Charlot que había creado en 1914 y que le había reportado fama y afecto universales. En los años intermedios el mundo había cambiado. Al nacer el personaje, el siglo XIX todavía estaba cerca.En 1936 después de la gran depresión, solo se enfrentó a angustias que no son tan distintas de la del siglo XXI: Pobreza, paro, huelgas y rompehuelgas, intolerancia política, desigualdades económicas, la tiranía de la máquina y los narcóticos.

Eran problemas que habían despertado una preocupación muy honda en Chapellin durante una gira mundial de 18 ocho meses que hizo entre 1931 y 1932 y en la que había observado el nacimiento del nacionalismo y los efectos sociales de la depresión, el paro y la automatización. En 1931, en una entrevista para prensa, declaro: “El paro es la cuestión vital […]. La maquinaria debería beneficiar a la humanidad; no debería significar la tragedia y el paro.”

Al estrenarse tiempo modernos, el cine sonoro ya contaba acerca de una década de antigüedad. Chaplin consideró la posibilidad de hacer una película hablada e incluso preparo un guion, pero finalmente reconoció que Charlot lo dependía del cine mudo.

Tiempos modernos muestra un Chaplin todavía sin rival como creador de comedias visuales. La película sigue siendo un comentario válido de la supervivencia humana en las circunstancias industriales, económicas y sociales del siglo XX… Y tal vez del siglo XXI.


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Frankenstein

It’s Alive

Frankenstein (1931)
EE.UU. (universal), 71 min, b/n
Idioma: ingles
Dirección: James Whale
Fotografía: Arthur Edeson, Paul Ivano
Intérpretes: Colin Clive, Mae Clarke, John Boles, Boris Karloff
Música: Bernhard Kaun

Puntuación: 4.5 de 5.

La película de terror más importante de todos los tiempos. James Whale extrajo de la novela de Mary Shelly una fábula sobre un científico pasado de rosca y su monstruo, una especie de Hijo maltratado y repudiado.

El genial maquillador de la Universal Jack Pierce diseñó el cráneo plano, las terminales del cuello, los gruesos párpados y las manos alargadas y cubiertas de cicatrices, en tanto que Whhales vistió a la criatura con los harapos que llevaban en aquella época antiguos soldados convertidos en vagabundos y unas botas.

Sin embargo, fue Pratt quien lo transformó en un personaje en melancólico, patético y clásico, cuyas maldades son accidentales (la muerte de la niña) o justificarás (cuando estrangula al enano que le ha torturado con una antorcha). En los títulos de crédito se los dice que el monstruo está interpretado por “? “. Solo al final de la película supo el público que quien les había aterrorizados, como vídeos e inspirado, era un tipo llamado Boris Karloff (el nom de guerre de Pratt).

Frankenstein contiene una serie de maravillosas escena teatrales: La creación, con rayos que caen alrededor de la torre y el monstruo alzado hacia los cielos enfurecidos sobre una mesa de operaciones. Y por supuesto la famosa escena “It’s alive” de Colin Clive.

El ciclo de terror de la Universal abarca toda una gama de películas que van desde la perfección hasta la parodia, pero Frankenstein continúa siendo escalofriante y refrescante, la piedra angular del género.


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Metropolis

Al principio con una duración superior a dos horas, Metrópolis, de Fritz Lang, es la primera película épica de ciencia ficción, con inmensos decorados, miles de extras, efectos especiales de alta tecnología, grandes dosis de sexo y violencia, una moraleja descarada, espléndidas interpretaciones, unas gotas de gótico alemán y varias secuencias de fantasías revolucionarias.

Financiada por el gran estudio alemán UFA, fue muy controvertida en su día en resultó en un fracaso comercial que estuvo a punto de arruinar el estudio.

El argumento es simple. Freder Fredersen (gustav Fröhlich), hijo mimado del amo de metrópolis (alfred Abel), descubre la miserable vida de la multitud de trabajadores que mantienen en movimiento la súper ciudad resplandeciente. Freder llega a comprender el estado de las cosas gracias a María (Brigitte Helm), una pacifista que no cesa de predicar la mediación en las disputas industriales, mientras trabaja en secreto en turnos infernales de 10 horas en una de las máquinas.

El amo consulta con el ingeniero loco Rotwang (Rudolf Klein-Rogge), creador de un robot de de formas femininas que modifica para conseguir un doble malvado de Maria y lo suelta por la ciudad.

Poco después de su estreno, la carisma cinta fue apartada de la distribución y remontada en contra de los deseos del hombre.La versión cortada y simplificada fue la más conocida Hasta el siglo XXI, con una restauración parcial (con cuidado rótulos explicativos de las escenas perdidas) Acerco mucho más la película al espíritu de Lang.

Considerada hasta ese momento una película de ciencia ficción espectacular pero simplista, esta nueva pero vieja versión revela que la ambientación futurista no pretende ser profética sino mítica, y mezcla elementos arquitectónicos, industriales, de diseño y políticos propios de la década de 1920 con otros medievales y bíblicos con el fin de producir imágenes de una extrañeza impresionante.


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Viaje a la luna

El viaje a la luna (le voyage dans la lune) es una película francesa del director Georges Méliès de 1902.


Mi valoración

Puntuación: 5 de 5.

Cuando se piensa en viaje a la luna, al instante nos asalta la idea mítica y original del cine primitivo como un arte cuyas “reglas” se establecieron en el mismismo proceso de su producción.Esta película francesa fue estrenada en 1902, y representa una revolución para la época, dada su duración (unos 14 minutos), pues los cortos que se producían al principio del siglo pasado solían ser de dos minutos.

Méliès Crea una película que merece un lugar entre los hitos de la historia mundial de cine. Pese a su aire surrealista, viaje a la luna es una cinta entretenida e innovadora, que combina los trucos del teatro con las infinitas posibilidades de medio cinematográfico.

Cualquier espectador interesado en el origen de los cánones que influyeron más adelante en todas las películas del género y deseoso de ver sus ejemplos más famosos no puede pasar por alto esta primera película de ciencia ficción.

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Nosferatu el Vampiro

Nosferatu el vampiro (1922), Nosferatu, eine Symphonie des Grauens es una pelicula alemana De F.W. Murnau.


mi valoracion

Puntuación: 5 de 5.

El dracula de Bram Stoker inspiró una de las películas mudas más sobrecogedoras. El material de base y el medio expresivo parecen hecho el uno para el otro. La novela de Stoker, escrita en gran parte en forma epistolar, tiene pocos diálogos tradicionales y abunda en descripciones, una combinación perfecta para la narrativa visual de las películas mudas.

Con Nosferatu, el director Murnau creó algunas de las imágenes más duraderas y fascinante del cine: el conde Orlok caminando por su castillo, proyectando sombras siniestras mientras persigues a Hutter, Orlok levantándose de su ataúd, el conde atrapado por el rayo del sol, encogiéndose de terror antes de desaparecer.

También introdujo varios mitos del vampirismo que no solo aparecen en otras películas de drácula sino que emprendan asimismo la cultura popular.

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